Pablo Algaba – Página 2

«The Swapper» – Crítica

The Swapper

The Swapper
Facepalm, 2013
PC

Una de las sensaciones más nítidas que permanecen tras completar el fallido Remember Me, el debut con aires cyberpunk del estudio parisino DONTNOD, es que uno de los principales campos de batalla durante su desarrollo debe haber sido el impedir que todo el esfuerzo y la creatividad invertidos en la imaginación de un planeta Tierra del 2084 se reflejasen tan solo en los aspectos más epidérmicos del juego. Muy al contrario, es evidente cierta voluntad por situar en el centro mismo de algunas mecánicas jugables a lo que Philip K. Dick se refería como “idea diferenciadora”; aquel elemento único que retuerce de forma interesante una sociedad imaginada —aunque proyectada a partir de la nuestra—, en este caso: la posibilidad de mercantilización de los recuerdos. El Sensen es un dispositivo cerebral comercializado por una suerte de Apple futurista que permite compartir, editar y borrar la memoria del usuario bajo las condiciones y la letra pequeña de la Gran Corporación. Minijuegos de manipulación de memorias ajenas, desbloqueo de combos a base de recuerdos recuperados, protagonista amnésica, imágenes cerebrales en forma de fantasmas que indican el camino a seguir… Son algunas de las (insuficientes, superficiales, loables) herramientas que utiliza este título francés para alcanzar algo muy complicado de conseguir: empapar de sci-fi su núcleo interactivo; en definitiva, la plataforma desde donde cualquier experiencia interactiva puede lanzar con mayor firmeza martillazos emocionales al jugador y desde donde las ideas expresadas en la historia mejor pueden trasmitirse.

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«Metal Gear Rising»: La Revenganza

Metal Gear Rising: Revengeance

Metal Gear Rising: Revengeance
Platinum Games, Konami
PlayStation 3, Xbox 360

En 2011, dos años después de que se anunciara por primera vez al mundo la existencia de Metal Gear Rising, cuando ya era evidente para los trabajadores de Kojima Productions que su experiencia y talento para desarrollar juegos de infiltración, espionaje y esconderse en cajas de cartón eran de todo insuficientes para desarrollar un pegahostias protagonizado por un ninja cibernético, Hideo Kojima levantó el teléfono rojo con línea directa a las oficinas de Platinum Games en Osaka para pedir cita con el estudio contemporáneo que probablemente mejor respira en el género de los turbo-piñazos y la velocidad absurda, justo la medicina que le hacía falta a este spin-off para no quedarse varado para siempre en el limbo de lo juegos cancelados. Las señales de que este encargo mercenario ha consistido, fundamentalmente, en una misión de rescate exprés en las que algunas de las sofisticaciones de títulos anteriores del estudio han tenido, obligatoriamente, que quedar aparcadas para mejor ocasión (The Wonderful 101 y Bayonetta 2 despuntan ya en el horizonte) no son pocas: reutilización de escenarios, mínima variedad de enemigos, el feo vicio de recuperar final bosses, un desarrollo incapaz de mantener las promesas de hiperespectáculo extendidas por una fase prólogo que es un auténtico ciclón y una duración que a duras penas llega a las cuatro horas repartidas en ocho niveles.

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Semana Bioshock Infinite: Este monstruo no es mi padre

Si me pidiesen señalar El Momento en que esta moribunda generación de consolas consiguió encogerme de verdad el corazón tendría, en realidad, pocos problemas para decidirme. Sólo necesitaría un mapa sobre el que poder posar mi dedo índice en mitad del océano Atlántico: Rapture, 1959. A tres mil metros de profundidad, entre las ruinas de una ciudad submarina levantada como utopía objetivista que salió realmente mal, allí abajo derribé –no sin un terrible sentimiento de culpa- a decenas de Big Daddies: personaje-icono del primer BioShock; juggernauts de músculo y acero; hombres una vez pero transformados para siempre por la ciencia pasada de rosca en bestias con propósito único: defender con fiereza a sus hijas, unas espeluznantes niñas-vampiro convertidas, por su actividad de recolectoras de químicos, en el centro de todas las miras de los enloquecidos yonkis que poblaban Rapture.

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«The Cave» — Crítica

The Cave
Double Fine
PC, PlayStation 3, Wii U y Xbox 360 (versión comentada)

Veinte interminables años hemos tenido que esperar para volver a ver un nuevo trabajo de Ron Gilbert. Desde que decidiera recogerse en mercado de los juegos infantiles, la trayectoria profesional del creador de The Secret of Monkey Island ha sido mucho menos prolífica de lo que hubiésemos deseado: fracasos empresariales diversos y, parece ser, cierta reticencia a plegarse ante órdenes de cúpulas directivas, serían los motivos que han llevado a una ausencia sólo rota por algún que otro fogonazo puntual en forma de action RPG (Death Spank) o alguna colaboración de cortesía (Penny Arcade Aventures, Tales of Monkey Island). Su fichaje en 2010 por Double Fine, sin embargo, parecía que terminaría con esta larga travesía en el desierto y que lo haría de la mejor forma posible: volviéndole a reunir con Tim Schafer, uno de sus socios durante los años dorados de Lucas Arts, y poniéndose a trabajar en el tipo de juegos que mejor se adaptan a sus capacidades: las aventuras gráficas.

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Spike Video Game Awards 2012: los trailers

El sábado Adonías ya les habló un poco sobre la locura y borrachera de hype que supone la gala de Spike TV que premia todos los años mediante votación popular a los que considera mejores videojuegos de la temporada. Junto con poderosísimas ferias internacionales como el E3, esta gala se ha terminado convirtiendo en el mayor escaparate que la industria posee para anunciar o enseñar la patita de sus futuros diplodocus. Es por ello que se da la misma importancia a las palmaditas en la espalda a los títulos más populares del año como a los tráiler publicitarios de los juegos por venir. Es posible que contado así no suene como el más excitante de los espectáculos: casi una decena de anuncios publicitarios que durante el 95% de su duración sólo muestran secuencias CGI o cinemáticas, dejando caer tan pocos detalles realmente significativos que es complicado predecir si alguno de los juegos será el siguiente Portal o una chufa más entre tantas. De todas maneras, siempre es un ejercicio interesante intentar leer entre líneas, detectar tendencias o adivinar de qué pie pueden cojear las grandes moles de la industria durante el próximo año. Al menos en Mondo Pixel es algo que nos gustaría hacer con los ocho vídeos presentados durante el pasado fin de semana.

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«Hotline Miami» — Crítica

Hotline Miami
Dennaton Games
PC

A la misma velocidad que Hotline Miami recogía premios, menciones y nominaciones en prácticamente cualquier entrega de galardones existente en el mundo de los videojuegos, la prensa especializada agotaba los elogios y superlativos hacia un título que apareció a mediados de octubre sin demasiado ruido pero que en apenas dos meses se ha convertido en uno de los juegos independientes más celebrados y comentados del año. Es sencillo entender su poder de seducción entre todo aquel que ha posado las manos en él. Hotline Miami entra por los ojos como un relámpago (rosa) con un apartado audiovisual arrebatador —instalado en ese fenómeno de reconstrucción en nuestro presente de unos años ochenta idealizados— que no evoca de manera directa los tiempos del cardado y de Tangerine Dream, sino que los asalta vía otros trabajos contemporáneos: Kavinsky, Lone Survivor, No More Heroes, Grand Theft Auto. Vice City o, sobre todo, Drive (Nicolas Winding Refn, 2011), film clave para entender nuestro ahora cultural y que los autores de este arcade de abrir cabezas con un bate de beisbol utilizan como un punto de partida consciente para crear una obra que, gracias a un enorme talento para el sampleo de referentes, supera su condición de mero juego-no-oficial y evita que el resultado parezca un copia y pega desalmado o un campo de minas sobrecargado de guiños irónicos sin fuste. Pero todo esto, aunque son elementos esenciales de la experiencia del juego, no es lo que convierte a Hotline Miami en un producto ineludible del ocio digital de este 2012, lo que justifica todos los elogios que se le están haciendo es la brillantez de sus mecánicas jugables, su capacidad de exprimir todo el potencial a una reglas simples que se incrustan firmemente en el cerebro para provocar inundaciones de dopamina.

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«Resident Evil 6» – Crítica

Resident Evil 6
Capcom
PlayStation 3 (versión comentada) y Xbox 360

A pesar de que Resident Evil 5 amasó más dinero del que Nicolas Cage podría llegar a gastarse en castillos encantados en el tiempo de dos vidas, sería muy atrevido definir las sensaciones que emanaban de esta primera entrega con Shinji Mikami fuera de los títulos de crédito como positivas cuando, en honor a la verdad, se trataba de un juego tan agarrotado y prudente que si aún seguía funcionando era porque tuvo el sentido común de respetar aciertos pretéritos. Ahora, cuatro años más tarde de aquella quinta entrega, Capcom ha evitado la tentadora opción de repetir mecánicamente una receta de probado éxito comercial para cocinar este Resident Evil 6, una actitud siempre elogiable pero, visto el resultado final, se manifiesta como insuficiente para un juego que, por deméritos propios, será justamente recordado como uno de los momentos más bajos de toda la serie.

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«Lollipop Chainsaw» – Crítica

Lollipop Chainsaw
Grasshopper Manufacture
PlayStation 3 (versión analizada), Xbox 360

No sé si cuando Goichi Suda (aka Suda51) se encontraba en medio del desarrollo de No More Heroes era consciente de estar inventando una nueva categoría de videojuego: el del Extreme Party Simulator, un tipo de género que más que por un sistema de reglas específico y bien codificado, se definía y funcionaba a partir de la más completa desmesura, la no-contención y el puro exceso en todos sus apartados. En la amplia mayoría de producciones donde Suda ha ejercido como director creativo ya era palpable el placer qué él mismo sentía por la creación de videojuegos y por la posibilidad de hacer circular ese mismo estallido de alegría hacia el otro extremo del control pad pero da la impresión de que hasta esta primera aventura de Travis Touchdown en Wii no dio con una fórmula que se ajustase como anillo al dedo a sus intenciones: armonizar en un todo orgánico mecánicas jugables simples y directas, un sentido del humor que sólo podría considerarse normal en planetas como Marte y una avalancha de referencias al mundo del cómic, el cine de explotación, la literatura pulp o la música punk que no sólo no funcionaban como guiño o mero telón de fondo sino como parte integral de la experiencia. Sea como sea, la combinación de estas características tenía como única (e inevitable) consecuencia una violenta explosión craneal por sobredosis de felicidad.

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«Lone Survivor» – Crítica

Lone Survivor
Superflat Games
Mac y PC

Teoría loca con cuerdas que vibran: existe un universo alternativo superpuesto a éste en el que una desarrolladora nipona de videojuegos —llamémosla, por ejemplo, Konami 2— en algún momento entre 1991 y 1995 lanzó al mercado de consolas de 16 bits un cartucho llamado Lone Survivor, primer título de una exitosa franquicia de horror que es bien recordada por todos los aficionados al género por ser una de las primeras y más conseguidas aproximaciones al terror psicológico dentro del ocio interactivo. Ambientado en un espeluznante pueblo norteamericano, el jugador tomaba el control de uno de los pocos supervivientes de una catástrofe global, nunca del todo concretada, que no solo debía recorrer de arriba abajo su bloque de apartamentos en busca de víveres y suministros con los que subsistir en el post-apocalipsis, sino que debía lidiar también con hordas de monstruos purulentos que lo acechaban en las sombras de callejones, pasillos y habitaciones destartaladas. En el proceso iba encontrando pistas, conociendo personajes y recuperando recuerdos perdidos que desdibujaban la línea entre lo real y lo imaginado, poniendo en cuestión a cada paso su salud mental y haciendo que el propio jugador comenzara a perder la confianza en su propio avatar.

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«Journey» – Crítica

Journey
thatgamecompany – Sony
PS3

Desde que a mediados de 2010 se empezaron a conocer las primeras características del nuevo título de thatgamecompany, pocos han sido los juegos de esta generación de consolas que hayan acumulado un mayor hype. En este tiempo, la maquinaría promocional de Sony ha trabajado a toda potencia para convertir a Journey en lo que un film de Almodóvar es para el cine español o las películas apadrinadas por Harvey Weinstein para los Oscars: un acontecimiento ineludible; el título sobre el que se debe tener una opinión.

Esta expectación ha venido alimentada con declaraciones de las que se desprendía que Journey era (¡glups!) algo más que un juego, que nunca se había hecho nada igual o que había más (¡reglups!) ARTE en sus casi 600 megas que en la historia completa del medio. Palabras que unidas a unas imágenes que prometían un apartado visual muy amable y descripciones donde se adivinaba cierto aroma a mística californiana sobre la vida, la muerte y el más allá, otorgaban razones más que suficientes para que todos los que llevamos un tiempo interesados en esto de los videojuegos entrásemos de inmediato en DEFCON 2.

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